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设计没有灵感吗？ 当代平面设计通常会参考过去的平面设计风格。事实上，我们可以在以前的设计里找到关于美学和文化方面的灵感。但我们应该对它重新解释并与时俱进，而不是单纯地复制和模仿。 让我们看看从1850年到2000年这150年间里的平面设计，如何通过以前的设计给你的设计带来新的灵感和活力。 现在跟着我进入到时光盒子里，让历史启发你的下一个设计。
1.维多利亚时代（1850-1900年） 维多利亚时代的平面设计以强大的排版和“多即是多”为特点，这在如今看来是已是司空见惯了。以当时的统治者维多利亚女王的名字命名的维多利亚时代（在工业革命之后）见证了在制造、生产、社会以及经济发展等领域的彻底改变。
新技术的发明使得印刷和纸张更加实惠，为了获取商业利益，企业开始利用起平面设计。字体的创始人发明出新的观赏性的字体和文字类型，因其丰富的图案，精心的设计以及对称性的美学特点，所以在海报，广告，杂志以及其他印刷材料上传播。
维多利亚时代的图形设计是很适用于咖啡馆的设计，除了“Victoria”这个名字以外，维多利亚时代的设计还有很多独特的室内设计和发明的细节。The Brand Bean的品牌标志布局对称、排版独特、形式华丽，还有在其标志顶部一个刚好的皇冠。
这个Mr Cup凸版印刷的日历是从现代的角度诠释维多利亚时代的平面设计。这个日历的特征就是几何线条对称辐射中心。与全黑色的相比，凹面图形模式填充页面从视觉上给人感觉更轻快。
维多利亚时代设计给我们带来的灵感： l 填满整页但同时要保持对称的设计 l 尝试用手工刻字和精心制作的字体 l 给文字添加阴影，轮廓和装饰 l 文本和图像集成为一体的艺术作品
2.工艺美术运动(19世纪70年代- 20世纪10年代) 如果你认为维多利亚时代的平面设计是由图案组成的，那么你已经看出了一些端倪。工艺美术运动反对大规模生产和工业革命时期粗制滥造的商品。 William Morris提倡恢复用手工艺生产，倡导实用性，享受生产过程。他们用传统的生产工艺, 提出向自然学习、追求自然以及从过去的设计中寻找灵感的口号。
Dana Tanamachi是一名刻字艺术家和设计师。她在纽约的酒吧、咖啡馆和餐馆都留下了她的设计。这堵墙被那些像花朵和植物外形的图案填满，它们不仅填补了字母之间的差距,也改变了字母本身。
Ahamed的工作室是一个有机药用蔬菜园，通过自然界里富有表现力的一种颜色使得这些食物看起来更加有食欲。
工艺美术运动时期的设计给我们带来的灵感： l 使用来自大自然世界里的颜色 l 创建密集的、连环的、弯曲的图案 l 正如你所见的，图案的样子就像花和植物的外形一样 l 使用粗体和受中世纪时代启发创造出的字体
3.新艺术运动（19世纪80年代-20世纪10年代） 新艺术运动通常被认为是来源于自然形态“曲线风格”。事实上，新艺术运动表现了在二十世纪人们的心理的变化及焦虑，许多流动弯曲的设计体现了这种不断变化的状态。 那时候有一些新的发现和技术，人们对世界有了更好的认识。此外，随着现代女性的日益解放，她们开始学习、工作、骑自行车，男人们越来越感受到来自女性的威胁。下面这些图片反映出当时的女性魅力。
Juan Hernaz的这本书《日本古代传说》的封面设计就是受到了新艺术时期当时流行的日本风格的设计的影响。标题里的字母“C”和“J”以一种自然形式呈现出来，花儿就像是从封面底部长出来似的。一只蜻蜓（一种广受欢迎的新艺术风格的符号）从封面的右上角飞过来。
这个Violette 巧克力的品牌标志里突出线条的轮廓，将一张扭曲的女人脸镶嵌在品牌上面。设计师Martin Sitta 说，这部作品是受到Alphonse Mucha的作品启发所得。Alphonse Mucha是一位新艺术风格的艺术家，她的作品因其在海报和广告中突出美丽的女人的脸庞和旋转的线条而显得与众不同。
新艺术运动时期的设计给我们带来的灵感： l 强调线条，抽象形式和创建平面设计，这深受日本传统文化的影响 l 使用弯曲流畅的线条和形式来表现出改变，移动和融合 l 设计应该要表现出主题的内涵 l 女性主题以及女性艺术家起到了重要作用
4.达达主义（20世纪10年代-20世纪20年代） 达达主义运动是一场无政府主义的反艺术反战争的艺术运动。 对于达达艺术家来说，战争没有意义。达达主义思想对社会提出了质疑，并因此质疑社会上的艺术。达达主义艺术家试图摧毁原有的传统艺术价值观念和并用新的观念取代旧的观念，他们颠覆性和实验性地展开了一场以反对“旧时尚书里愚蠢的恶心的概念”的印刷革命。因此，页面通过无意识的文字和图像，使得设计的表现力变得更强。
达达主义艺术家到底做了什么呢？Lauren Golembiewski的包装设计者说，盒子上的包装设计就体现出了达达主义艺术家的品味。这个盒子的包装由留白，实验刻字，合成照片组成，并且每个调香瓶上都写着一个怪诞的名字。
这个海报设计的主题就是“在圣保罗附近的人们”。这张宣传附近各种各样的文化和艺术活动的海报恰如其分地受到了达达主义艺术家的影响。
达达主义时期的设计给我们带来的灵感： l 设计时尝试利用排版，布局和空白 l 打破规则，遵从无序 l 剪辑图片、票证、报纸和其他印刷材料的图片来做成图片集锦 l 通过一系列图像与文字的结合，质疑与颠覆它的含义
5.先锋派（20世纪20年代-30年代） 在两次世界大战之间是一个发明和创新的时代，先锋派这一术语经常被用来指代这个时代的人与他们的作品。事实上，这些实验性的和突破性的艺术家在设计领域上是非常有突破的。 在荷兰，风格派艺术家用抽象和还原形式和色彩，来表达一个精神上和谐的、秩序统一的、全新的乌托邦世界。 在俄罗斯，建构主义设计师将艺术与新技术和政治思想相融合，以此帮助建立一个革命性的新状态。 在德国，Bauhaus的支持者将艺术、工艺和工业相融合以此设计出为人民群众服务的更好的产品。
Rcket and Wink就是通过一种浓烈、简单的色彩为豪斯酒店做了一个公司设计。另外，除了受Bauhaus的启发，这份仅仅由几何体形状组成，正方形、矩形、三角形、圆形 ，所有元素的使用都是为了视觉效果。
Yannuck Buch的(非官方的)这张CD的封面设计明确引用俄罗斯建构主义者的作品特点，由红、黑、白这几种颜色，强烈的方片格式的几何线条，还有黑白色的照片构成。
Krzysztof Iwanski的作品集是一张显眼的和抽象的海报，这些海报中许多都参考了先锋派的思想。这张海报是一个黑白照片的拼图,浓重的颜色,具体的内容，还同时在页面里保留一些留白。
先锋派时期设计给我们带来的设计灵感： l 使用强烈的几何线条和形式 l 使用一个基本的饱和颜色 l 与蒙太奇照片相结合 l 通过加粗的大字体来传递信息
6.装饰派艺术 （20世纪20年代-30年代 ） 从20年代严重的大萧条时期以来，装饰艺术的目的是促进生产和消费。装饰艺术起源于法国，对于短期经济复苏来说，奢侈品被认为是关键的。 法国的工匠使用特殊的材料，复兴传统工艺，并引用古典和殖民世界的做法创造出独一无二的物品。 当装饰派艺术传播到美国，设计师接受了以机器，城市和商业的形式来创造出一种适合现代生活和消费方式新的美学方式。
装饰艺术在20世纪20年代和30年代在世界各地传播起来，包括上海，特别是东湖路。Thread Design为位于东湖路的上海啤酒厂创造出了这种艺术风格，它以丰富的色彩背景和和金色的外形成为了著名的装饰流派的建筑物。
Murmure 为Nördik Impakt电子音乐节做的这个设计的概念在于创造一个突破从前的美学观点的图像，比如装饰艺术的概念。现代而优雅的视觉形象闪耀着金光，并设有与消散下来的页面几何图案呈现的现代摩天大楼。 现代和优雅的图形身份闪光的金子和特征与几何图案，呈现现代摩天大楼消散的画面。
我们可以由装饰派艺术得到的艺术灵感： l 整合了强大的辐射和几何线条 l 风格化和抽象的形状来创建平面二维形式，仿佛冻结了一般 l 从摩天大楼、机器、运输和爵士乐时代汲取灵感 l 创建出光辉的、若隐若现的、光滑的表面
7.国际主义风格（20世纪50年代 - 60年代） 你有没有想过著名的Helvetica字体是在何时何地被发明出来的？在经历了二战的动荡不安以后，国际主义风格（也被称为瑞士风格）崇尚精简，简约和细致。20世纪50年代和60年代，瑞士设计师推动了先锋派关于现代主义思想的发展并且尝试进行了排版和集锦照片的实验。他们认为设计师是传播者，并且认为设计是不需要进行个人表达的。 事实上，高举着“形式追随功能”口号的这种设计风格的设计师创造出了一种普遍的、匿名的、客观的图形语言。
在这些点里，简单和清晰是关键。以“少即是多”这个概念为例，The Negra设计了微小的现代化的视觉形象，以此反映出建筑工作室每平方厘米极小的和现代的环境格局。利用黑白两种颜色，这个设计作品十分强调排版和布局结构。
Abbas Mushtaq通过粗体字、容易阅读的字体、足够的留白空间、摄影照片，和一个非常简单的颜色就为温布尔登网球锦标赛做出这样一个概念性的设计。
我们可以由国际主义设计风格得到的启发： l 使用无饰线字体，比如Helvetica字体 l 由照片填充而不是由插图或者图片填充 l 通过一些留白来给您的设计留下呼吸空间 l 使用结构化和非对称布局的网格布局
8.中世纪风格(20世纪50年代-60年代) 此时，在上世纪中期的美国，第二次世界大战以后世界乐观和繁荣，美国人在庆祝着美好的生活。设计师们借鉴了欧洲现代主义的理念,并将它们与当时的乐观与繁荣相融合，创造出明亮的、,色彩斑斓、充满活力的设计作品以此吸引消费者并鼓励他们花钱花钱花钱。
这些木制玩具小汽车出现在塑料玩具时代之前。Ivan Aguair 的这个包装设计，唤起了这个时代。这个设计丰富多彩的颜色和抽象插图都带有着中世纪风格设计的特点。 Vicki Turner的插画风格也让我们想起了中世纪风格设计。尤其是Alexander Girard.的插画作品。她的风格是紧密细致地将强烈的几何感、吸引人的颜色组合，和民俗艺术引用联系在一起。
我们可以从中世纪风格的设计作品中得到的灵感： l 使用明亮、鲜艳的颜色 l 充分利用留白,让你的设计有足够的呼吸空间 l 合并有趣和富有表现力的插图图像 l 创建充满活力和异想天开的设计
9.迷幻音乐风格（20世纪60年代-70年代） 由于在20世纪60年代和70年代幻觉药物的风靡一时，迷幻风尚受到了它的影响。事实上，所有这些在战后20世纪60年代和70年代出生的人，他们质疑美国人的唯物主义观念和保守的价值观，由此导致了一场预示着叛逆与实验的革命性的青年运动。 随着音乐节和音乐会的盛行，服用兴奋性药物成为了社会的一个突出特点，平面设计在视觉上通过强烈的色彩，旋转的线条及形式（类似于新艺术运动）和公开地可读表达出了这种“跳脱”的感觉。
一款迷幻风格的迷幻塔克菜单设计。它有明亮的霓虹灯般的色彩和大量的向四周扩散的线，你会不得不质疑自己视觉的完整性。
这张海报是由One Horse Town设计的一个具有迷幻设计风格的梦幻般的艺术作品，这是一张适用于黑键乐队音乐会宣传的海报。这张海报被线条完全地填充满，给人以一种移动与变化的视觉体验。
迷幻风尚给我们带来的设计灵感： l 使用明亮与鲜明对比的颜色 l 设计整个空间 l 多面化 l 利用强旋涡线表现出移动和变化的效果
10.后现代主义（20世纪70 年代- 80年代） 后现代设计是什么？除了秩序井然和理性的现代主义设计以外，后现代主义设计视图抛弃形式和严谨的设计方法，而是采用大胆、华丽和时尚的设计。后现代主义在20世纪80年代后诞生。他们忽略了传统的惯例，创造了结合流行文化和高雅文化特点，极具表现力的有趣的图形设计。
你是后现代主义者吗？Eric Yankhe举例说明道，Kanyer为Printed Pages杂志画的肖像是同时结合了达达主义和先锋时代的理念，这肯定会打破惯例。
后现代设计主义早已不仅仅只在意大利，Milano办公室的办公文具品牌Write Sketch & (WS&)也是后现代主义的设计代表。明亮、柔和的色彩，没有过多的线条和形式，给人一种纯审美的快感。
我们从后现代主义设计得到的启发: l 尽可能地将许多明亮的颜色组合在一起 l 设计应该是有趣的，而不是严肃的，要注重它的样子，而不是它的功能 l 使用照片来获得乐趣和美感，而不是为了表现寓意 l 设计应受到大众的欢迎
11.油渍摇滚风格（20世纪90年代） Nirvana, Pearl Jam, Stone Temple Pilots他们都是油渍摇滚时代20世纪90年代优秀的乐队。一些设计作品因此受到了油渍摇滚的影响。正如怪诞的后现代主义是受到功能主义的影响，一些柔和的垃圾摇滚作品受到了后现代主义的影响。 油渍摇滚是通过肮脏的污点、模糊的图像、破碎的图标以及凌乱的纹理来对现实生活积极性一个更加准确逼真的描绘。David Carson是油渍摇滚风格设计者中的大师。他尝试用富有表现力的字体,背景图像和纹理来体现油渍摇滚风格。
美国西雅图是油渍摇滚风格的起源地，一支来自此地独特的乐队Mudhoney，他们的音乐作品在西雅图乐坛极富影响力。这张混合了暗淡的颜色、参差不齐的排版和怪诞的形象几种元素于一体的海报十分适合他们。
我们可以从油渍摇滚风格设计里得到的灵感： l 使用柔和、沉闷和阴暗的颜色 l 尝试使用模糊和扭曲的图像 l 应用凌乱的纹理和其他元素,比如污渍和泪水 l 将手写内容和不规则排版结合在一起
现在轮到你了~ 在平面设计领域，潮流与风尚总是在周期往复地循环着。在回顾了过去的那些优秀的作品以后，我们应该有所启发，成为一名创新者，而不是一名模仿者。你只需要记住这么一点就好，在平面设计领域，历史的趋势就是根据当时所处的环境与背景，对其相关含义做出重新的诠释。 设计愉快~ Fotor懒设计-全球1.9亿用户的在线快速平面设计平台。 【Fotor平面设计师招募令】设计精美模版，单个模版最高可获得500RMB收益！ 发挥创意、施展才华、增加收入、积攒粉丝 快加入Fotor设计师交流QQ群610453324，或戳这里，了解更多详情。 |
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